A Matter of Identity - interview with Nayara Jinknss

(This interview was originally published in 2020, exclusively in Portuguese).

Nayara Jinknss is one of the new promises in Brazilian photography. A Black, homosexual woman from a small town near Belém, she has made the identity struggle her aesthetic and political banner. She believes in photography as a tool for social change.

Her main project is a long photo essay on Ver-o-Peso. For ten years, she has been photographing life in the traditional municipal market of the capital of Pará. Her subjects are often marginalized people, almost always voiceless. Small traders, porters, street vendors, fish cleaners, homeless people, hairdressers, practitioners of Candomblé, drug traffickers, prostitutes, and transgender people whom she approaches in search of empathy.

Gradually, her work began to attract attention outside the state, and Jinknss became a digital influencer. Today, she has almost 35 thousand followers on Instagram. The quality of her work, the visibility of social networks, and the relevance of the issues she discusses also helped her to be chosen to participate in the reality show Arte na Fotografia, on Arte 1. On July 18th, Nayara was announced as the winner of the program.

At 29, she now wants to "move around the world." She is just waiting for the end of the pandemic. From Ananideua, where she is spending the quarantine with her family, she talked about the difficulties of entering documentary photography outside the big centers and with little money, the Ver-o-Peso project, photography as a tool for education and social change, participating in Arte na Fotografia, and her projects for the future.

Where did your initial interest in photography come from?

Since I was little, I always liked photography, but I was never encouraged to consume or enjoy the arts. We had a small analog camera, a birthday present from my grandmother. My mother used to complain a lot about buying film, and I never appeared in any photos. I was always taking pictures of my friends at school. Then, at seventeen, I suddenly became interested in photography. I needed a degree. Since I always talked a lot and got along with everyone, I grew up with people saying I would study journalism. But I'm a Gemini, and I get bored very quickly. I wanted a course that would please me at various times. And unintentionally, I found the visual arts course. I talked to a friend who was studying it, and I understood that, each semester, there were different things, arts, artistic movements. I got interested and looked for a degree that had photography for a longer period. At the Federal University of Pará (UFPA), it was only one semester. But there was another university, the University of the Amazon (Unama), which offered three semesters of photography. Then I said, "this is it." From the first year on, I never stopped. My grandmother, my mother, my father, and I managed to buy a camera. I’ve done everything: weddings, books, photos for catalogs. Many people said, "Oh, you won't be able to support yourself doing visual arts." But we were never rich at home. So, in my mind, if I could survive off photography in a cool way, it was OK.

What initially attracted you to photography? And what attracts you today?

What attracted me was the power to capture the image, you know? Due to the exercises, the number of times I played with the camera, I could make technically very beautiful images. But after a while, I realized there was something more in the photography that I wanted. When I graduated, at 23 or 24 years old, I went to do a postgraduate course in cinema in Rio de Janeiro. My mother paid for the university, and I found ways to survive. But when I arrived in Rio, I began to be perceived differently, suffering racial violence that I did not experience or feel in Belém because, until then, I did not recognize it as racism. I didn't identify as a Black woman. In Belém, many of us identify with being "moreno." But in reality, being moreno is being a light-skinned Black person. Realizing these issues, I imagined that if I didn't understand the racism I was going through, I probably reproduced it. I was very racist and homophobic, even being homosexual. I didn't see the urgency of talking about various issues. I simply joked, thinking it didn't affect anyone. But it does. Over time, I understood the need to take a stand and talk about these things. I started to approach feminism and read Black female authors.

Did these references change your photography?

When I started photographing, most of my references were white men. Miguel Rio Branco, Sebastião Salgado, João Ripper. João Ripper was the guy who changed my life. Although he is a white, cis man, his photography has impacted me since the first day I came in contact with it. He is still one of my greatest references. This photography with educational power, giving dignity to people, not reinforcing stereotypes, not marginalizing. I began to understand some issues and sought to work on that within my photography.

Are these the themes you seek to photograph nowadays?

My photography deals with all these issues that once kept me away from the job market. The fact that I am Black, lesbian, decentralized. Because I am not from the periphery, I am decentralized. I live in Ananindeua, which is sixteen kilometers from Belém. Thinking about that, I started to see photography with this urgency of being able to talk about it. I know well how they document the Amazon, Belém, how they talk about us, how they photograph us. These are things I no longer want for myself. So, I have been proposing a new perspective. We are much more than flora and fauna. We need to look at ourselves with complexity, because only then do we understand our differences.

You spent over ten years photographing the Ver-o-Peso market. What was your work routine and creative process like in the beginning? And how did it change?

Ver-o-Peso has always been present in my life. My grandmother was a market vendor. My mother used to work in a shoe store there. I have always been at Ver-o-Peso. And I always liked it a lot, I always talked to everyone. It's something I also learned at home. I started photographing Ver-o-Peso when I was eighteen, nineteen years old. Ver-o-Peso is an area where you can't let your guard down. Like any port area, if you let your guard down, you might get robbed. They also built an image of Ver-o-Peso as always being marginalized, because of the "pitiú," which is the smell of fish, or because there are many people who can rob you there. So, in the beginning, I was scared. I would go to photograph at ten and return at lunchtime. Over time, I would stay until almost six o'clock (in Belém, it's almost night). But I could never go at dawn, which is when the boats arrive with everything that comes from the islands and the surroundings of Belém to supply the market. This was very frustrating because I always wanted to be included among the more traditional photographers. I always wanted to be able to go around with them, feel safe, and photograph together. But I felt I didn't fit in. I wanted to raise money to go to Ver-o-Peso at dawn by taxi, and no one supported me.

You didn't have anyone to go with...

Then my family managed to buy a car, and I saw a photo of a guy I don't really get along with at Ver-o-Peso. I said, "You know what? Now I'll go at dawn." Even though today I'm not a big fan of Miguel Rio Branco's work, it was in one of his books that I understood that if he didn't pay to take the photos he took, he had to have a great deal of intimacy with people. I later discovered that he spent some time in Pelourinho to be able to take those images. So I said, "To take the images I want, I'll need to 'live' at Ver-o-Peso." So, I set a goal. "At least three times a week, I'll get there at three in the morning and start photographing only when there's light, at six in the morning."

What did you do until there was light to photograph?

I would chat, jump from place to place. I started experiencing many situations, getting to know everyone. People began to notice me. My routine transformed into this. I would bring photos, add people on Facebook, give them my WhatsApp, send things on Instagram. Because, for me, photography has always been about photographing people I like, with affection. So that they can see themselves. It's a pleasure when they look at the images and find themselves beautiful, want to take them home, show them to their mothers. It stops being just a technical thing to establish a bond. We stop seeing them just as fish cleaners, or just as drug users, homeless people, people in social vulnerability. It's important to make people who were once like me, who were racists or are racists, rethink. Think, for example, about the possibility that a homeless person has love, a passion. I keep thinking about these questions beyond just talking about drugs or showing their pipes. I might show them, but I don't want to reduce them or use photography as a weapon. It's about enabling another perspective, right? Many times, this other perspective needs to come from a viewpoint other than that of a normative, white, cis man. I'm not putting myself on a pedestal. Because I never was. But it's really about encouraging, proposing. Because, after all, in Belém, we don't see ourselves in books and often deny the things here. We only know what a sometimes-whitened culture tells us. We only start valuing what we live, our culture, when we leave Belém. And then, Ver-o-Peso ends up being this "research object" of mine. I'm still going there today.

Have your themes of interest changed? Has your way of approaching subjects changed?

Now that I participated in this TV show, Arte na Fotografia, I realize that I can clearly see a change. I can talk about politics, but also bring a more conceptual photography, something beyond photojournalism, beyond documenting daily life. My discourse is very political, activist. Photography is how I see life. I intend to talk to people. It's also a tool through which I understand myself. Nowadays, I might even change locations. Go to São Joaquim market in Bahia, for example. But I find the same intersections there. The racial issue, gender, sexuality. I keep thinking about how I can approach this, so it’s not just repetitive.

What themes/projects have you been dedicating yourself to?

So that the projects are not just my photographic act, I often dedicate myself to working in schools to ensure no one needs to pay to know what I'm telling you here. I have the big dream of creating a popular photography school. It's also one of Ripper's principles of "well-meaning photography." He has a project in Complexo da Maré, training young people from the periphery to become photographers. My dream is for photography to be a language that everyone can use to express themselves. It's very difficult, in Belém, to find trans women documenting, for example. I, although I have all my intersections, don't know what the experience of a trans woman is like. It's only fair that someone who experiences that reality can document it. They will have more tact. So, what can I do? My power, beyond recording, is in training. Photography is education. Art is an instrument of change and needs to be valued, needs to be extolled. It also needs to be accessible. We need to value ourselves, extol our culture, so that we understand its importance, so that it is not erased.

Can you make a living from documentary photography?

These have been the first few months, in eleven years working with photography, without needing a fixed job. But I also held on to save some money and survive this period. And I have been selling photos. Here in Belém, to be an artist, you need to have another profession. Surviving on this independent photography is almost impossible. Because the State doesn't value artists. I have been doing a curation for Mídia Ninja about women who are documenting in the North region, and I find it very difficult to find them.

What did you seek on "Art in Photography"? What effect did it have on your photography?

I was encouraged by a friend, activist photographer Isa Medeiros. She told me, “sign up for this thing because you're such a blogger. If you don't win the camera, because the prize is a camera, and mine is outdated, at least you will talk about Belém, about the things you see.” So, I thought, OK. I went to win a camera and that's it. Besides that, I knew it was very important to talk about Belém and our struggles. One of the things I mentioned on the show was about Sebastião Salgado in his interview with Pedro Bial. If I see Sebastião Salgado, a great reference in photography, saying that cell phone photography isn't real photography, I will be frustrated. And I don't want that. Because obviously, you will have a technical limitation. But while you can't have access to a camera, try to document in another way, but don't stop. Today, I am part of the Mamana collective, which has other photographers from other regions. We need to create a dialogue, create a network, encourage people through representation to feel confident to continue what they are doing. I talked to many women from the Black movement, with many women in general, to know what needed to be done to make people listen, since I had the privilege of speaking on national television. Because, after all, I'm not the owner of the truth, but I realize that there are commonalities among women here and in the rest of Brazil.

What equipment do you use? And why?

I use a Canon 7D, with a 50mm lens. But I hardly use it anymore because it’s in bad shape. I've had it for eight years. I also use my iPhone, and I make do with what I have.

How have you been during the pandemic?

In my mind, it has always been very clear that social isolation is the most efficient thing we can do if we want to get out of this moment. As much as I really wanted to be out there documenting. Until a moment came when I was already freaking out, and I got a job indication for Getty Images. A documentation job about what was happening here in Belém, without sensationalism, with PPE, everything in order. I was very happy because my work is different from photojournalistic work. If you look at my photos and the photos circulating of the pandemic, it's a bit different. The color, the proximity, everything changes. But I kept thinking about how I could document the pandemic without the hospitals, the graves, that sad part. I remember a workshop with João Ripper. He talked a lot about the big foreign agencies that send photographers to document the epic part of the war. But while the war is going on, other things happen. So, besides that, what else can we document? I went to document the things that affected me and that I believed affected people here in Belém. I went to Ver-o-Peso to try to understand how they were understanding the lockdown. And it was another experience going back with all that, with PPE, meeting a lot of people again. Some people didn't even understand why people were wearing masks. At that moment, I had to stop photographing to simply guide them. Because if there is no exchange, my work is not happening. And I have been surviving like this, trying to do some projects within the collective, with some friends. I believe that, once this difficult time passes, I will get back to moving around the world. I feel that my body is pulling me out of Belém.

Questão de identidade - entrevista com Nayara Jinknss

Nayara Jinknss é uma das novas promessas da fotografia brasileira. Mulher negra e homossexual, vinda de uma pequena cidade no entorno de Belém, fez da luta identitária sua bandeira estética e política. E acredita na fotografia como ferramenta de mudança social.

Seu principal projeto é um longo ensaio sobre o Ver-o-Peso. Há dez anos, fotografa a vida no tradicional mercado municipal da capital paraense. Suas personagens são pessoas por vezes marginalizada, quase sempre sem voz. Pequenos comerciantes, carregadores, ambulantes, fileteiros (limpadores de peixe), moradores de rua, cabeleireiros, praticantes do candomblé, traficantes, prostitutas e transexuais dos quais se aproxima em busca de empatia.

Aos poucos, o trabalho começou a chamar a atenção fora do Estado e Jinknss se tornou uma influenciadora digital. Hoje, tem quase 35 mil seguidores no Instagram. A qualidade de seu trabalho, a visibilidade das redes sociais e a atualidade das questões que discute também a ajudaram a ser escolhida para participar do reality show Arte na Fotografia. do Arte 1. No último dia 18 de julho, Nayara foi anunciada vencedora do programa.

Aos 29 anos, ela quer agora se “movimentar pelo mundo”. Aguarda só o fim da pandemia. De Ananideua, onde passa a quarentena com a família, contou sobre as dificuldades de ingressar na fotografia documental fora dos grandes centros e com pouco dinheiro, do projeto no Ver-o-Peso, da fotografia como instrumento de educação e mudança social, da participação no Arte na Fotografia e dos seus projetos para o futuro.

De onde veio seu interesse inicial pela fotografia?

Desde de pequena, sempre gostei de fotografia, mas nunca fui incentivada a consumir ou a gostar de artes. A gente tinha uma camerazinha analógica, presente de aniversário da minha avó. Minha mãe reclamava bastante de comprar filme e eu não sair em nenhuma foto. Ficava tirando só dos meus amigos, na escola. E aí, aos dezessete anos, eu me interessei, do nada, por fotografia. Precisava de uma graduação. Como eu sempre converso muito, sou muito dada com todo mundo, cresci com a galera dizendo que eu ia fazer jornalismo. Só que eu sou geminiana, enjoo muito rápido das coisas. Queria um curso que me agradasse em variados momentos. E sem querer encontrei o curso de artes visuais. Conversei com uma amiga que fazia e entendi que, em cada semestre, são coisas diferentes, artes, movimentos artísticos. Me interessei e procurei uma graduação que tivesse por mais tempo fotografia. Na Universidade Federal do Pará (UFPA), era só um semestre. Só que tinha uma outra universidade, a Universidade da Amazônia (Unama), que dava três semestres de fotografia. Aí eu falei, “é isso”. Desde o primeiro ano, não parei mais. Juntou minha avó, minha mãe, meu pai e a gente conseguiu comprar uma câmera. Já fiz de tudo: casamento, book, foto para catálogo. Muita gente falou: “ah tu não vai conseguir bancar a tua vida fazendo artes visuais”. Mas a gente nunca foi rico aqui em casa. Então, na minha cabeça, se eu conseguisse sobreviver de fotografia de um jeito bacana, estava OK.

O que te atraiu inicialmente na fotografia? E o que te atrai hoje?

O que me atraiu foi o poder de capturar a imagem, sabe? Devido aos exercícios, a quantidade de vezes que ficava brincando com a câmera, eu conseguia fazer imagens tecnicamente muito bonitas até. Só que depois de um tempo, fui entendendo que existia algo a mais nessa fotografia que eu queria. Quando me formei, com 23 ou 24 anos, fui fazer uma pós em cinema, no Rio de Janeiro. Minha mãe pagava a universidade e eu me virava para sobreviver. Só que quando cheguei no Rio, comecei a ser lida de outra maneira, a sofrer violências de racismo que, em Belém, não sofria, ou não sentia, porque até então não reconhecia como o racismo. Não me identificava como mulher negra. Em Belém, muitos de nós se identificam com esse ser que é moreno. Mas, na verdade, esse ser moreno é um negro de pele clara. Percebendo essas questões, imaginei que se eu não entendia os racismos pelos quais passava, provavelmente os reproduzia. Era muito racista e homofóbica, mesmo sendo homossexual. Não identificava a urgência de falar de várias questões. Simplesmente brincava, pensando que não afetava ninguém. Mas afeta. Com o tempo, fui entendendo a necessidade de me posicionar, de falar sobre essas coisas. Comecei a me aproximar do feminismo, a ler autoras negras. 

Essas referências mudaram a sua fotografia?

Quando eu comecei fotografar, a maior parte das minhas referências eram homens brancos. Miguel Rio Branco, Sebastião Salgado, João Ripper. João Ripper foi o cara que mudou a minha vida. Embora seja um homem branco, cis, ele tem uma fotografia que me atravessa desde o primeiro dia que entrei em contato. Ainda é pra mim uma das maiores referências. Essa fotografia com poder educacional, de dar dignidade para as pessoas, de não reforçar estereótipos, de não marginalizar. Fui percebendo algumas questões e buscando trabalhar isso dentro da minha fotografia.

São os temas que você busca fotografar hoje em dia?

Minha foto trabalha com todas essas questões que um dia me afastaram do mercado de trabalho. O fato de ser negra, lésbica, descentralizada. Porque eu não sou periférica, eu sou descentralizada. Moro em Ananindeua, que fica a dezesseis quilômetros de Belém. Pensando nisso, eu comecei a ver a fotografia com essa urgência de poder falar sobre isso. Eu sei bem como documentam a Amazônia, Belém, como é que falam da gente, como é que nos fotografam. São coisas que eu não quero mais pra mim. Então, venho propondo um novo olhar. Somos muito mais do que flora e fauna. Precisamos olhar para a gente com complexidade, porque aí sim a gente entende as nossas diferenças.

Você passou mais de dez anos fotografando o mercado Ver-o-Peso. Como era a sua rotina de trabalho e seu processo de criação no início? E como ele mudou? 

O Ver-o-Peso está presente na minha vida desde sempre. Minha avó foi feirante. Minha mãe já trabalhou em uma sapataria lá. Sempre estive no Ver-o-peso. E sempre gostei muito, sempre falei com todo mundo. Algo que aprendi também dentro de casa. Comecei a fotografar o Ver-o-Peso com dezoito, dezenove anos. E o Ver-o-Peso é uma área em que você não pode marcar touca. Como toda zona portuária, se marcar, pode ser assaltado. Também construíram uma imagem do Ver-o-Peso em que ele é sempre marginalizado, por conta do pitiú, que é o odor do peixe, ou porque lá tem muita gente que pode te assaltar. Então, no início, eu ficava com medo. Ia fotografar às dez e voltava na hora do almoço. Com o tempo, ia até quase seis horas (em Belém, é quase noite). Só que nunca conseguia ir de madrugada, que é o horário em que chegam as embarcações com tudo que vem das ilhas e dos arredores de Belém para abastecer a feira. Isso estava me irritando muito, porque eu sempre quis ser inclusa no meio dos fotógrafos mais tradicionais. Sempre quis poder dar esse rolê com eles, me sentir segura, fotografar junto. Mas sentia que eu não me encaixava. Queria fazer coleta para ir pro Ver-o-Peso de madrugada de táxi e ninguém endossava. 

Não tinha com quem ir...

Só que aí a minha família conseguiu comprar um carro e eu vi a foto de um brother, de quem não vou muito com a cara, no Ver-o-Peso. Aí falei: “quer saber? Pois agora eu vou de madrugada”. Por mais que hoje eu não goste mais tanto do trabalho do Miguel Rio Branco, foi num dos livros dele que eu compreendi que, se ele não pagava para fazer as fotos que fazia, tinha que ter uma intimidade muito grande com as pessoas. Descobri depois que ele passou um tempo no Pelourinho para conseguir fazer aquelas imagens. Ai falei: “porra, para fazer as imagens que quero, vou precisar ‘morar’ no Ver-o-Peso”. Então, estipulei uma meta. “Pelo menos umas três vezes por semana, vou chegar lá às três da manhã e vou começar a fotografar só quando tiver luz, às seis da manhã”. 

O que você fazia até ter luz para fotografar?

Ficava conversando, pulava de local em local. Comecei a vivenciar muitas situações, a conhecer todo mundo. A galera começou a me enxergar. A minha rotina foi se transformando nessa. Eu levava fotos, adicionava no meu Face, dava meu Whatsapp, mandava coisas no Instagram. Porque para mim a fotografia sempre foi fotografar as pessoas que gosto, com carinho. Para que elas se enxerguem. É um prazer quando elas se olham nas imagens e se acham bonitas, querem levar para a casa, mostrar para a mãe. Deixa de ser só aquela coisa técnica para estabelecer um vínculo. A gente deixa de enxergar eles só como fileteiros, ou só como usuários de drogas, pessoas em situação de rua, de vulnerabilidade social. É importante fazer com que as pessoas que um dia foram que nem eu, que foram racistas, ou são racistas, repensem. Pensem, por exemplo, na possibilidade de que um morador de rua tem um amor, uma paixão. Fico pensando nesses questionamentos para além de falar só de droga, ou de mostrar o cachimbo deles. Posso até mostrar, mas não quero reduzi-los, ou usar a fotografia como arma. É possibilitar uma outra leitura, né? Muitas vezes, essa outra leitura precisa sair desse recorte da ótica de um homem normativo, branco, cis. Não estou me colocando como santa. Porque nunca fui. Mas é incentivar mesmo, propor. Porque, enfim, a gente em Belém não se enxerga nos livros e nega muitas vezes as coisas daqui. Só sabe o que nos conta uma cultura às vezes embranquecida. Só passa a valorizar o que vive, a nossa cultura, quando vai embora de Belém. E aí, o Ver-o-Peso acaba sendo esse meu “objeto de pesquisa”. Estou indo até hoje. 

Mudaram os teus temas de interesse? Mudou a tua forma de abordar os assunto?

Agora que participei desse programa de TV, o Arte na Fotografia, percebo que consigo ver nitidamente uma mudança. Consigo falar de política, mas também trazer uma fotografia um pouco mais conceitual, algo para além do fotojornalismo, da documentação do cotidiano. O meu discurso é muito político, ativista. A fotografia é como eu enxergo a vida. Pretendo conversar com as pessoas. É também um instrumento através do qual eu me entendo. Hoje em dia, eu posso até mudar de local. Ir para a feira de São Joaquim, na Bahia, por exemplo. Mas encontro lá os mesmos atravessamentos. A questão racial, de gênero, a sexualidade. Fico pensando de que maneira consigo abordar isso, para não ser só uma coisa repetitiva.

A que temas/projetos tem se dedicado?

Para que os projetos não sejam apenas o meu ato fotográfico, muitas vezes me dedico a atuar em escolas para fazer com que ninguém precise pagar para saber o que eu te digo aqui. Tenho o grande sonho de fazer uma escola de fotografia popular. É um dos princípios da fotografia de bem querer do Ripper também. Ele tem em um projeto no Complexo da Maré, de formação de jovens da periferia em fotógrafos. Meu sonho é que a fotografia seja uma linguagem que todo mundo possa usar para se expressar. É muito difícil, em Belém, encontrar mulheres trans documentando, por exemplo. Eu, embora tenha todos os meus atravessamentos, não sei como é a vivência de uma mulher trans. Nada mais justo do que alguém que vivencia aquela realidade poder documentá-la. Vai ter mais tato. Então, o que que eu posso fazer? O meu poder, para além do registro, é atuar na formação. A fotografia é educação. A arte é instrumento de mudança e precisa ser valorizada, precisa ser enaltecida. Precisa ser acessível, também. A gente precisa se valorizar, enaltecer a nossa cultura, para que a gente entenda a importância que tem, para que não a apague. 

Você consegue viver da fotografia documental?

Estes estão sendo os primeiros meses, em onze anos trabalhando com fotografia, sem precisar de um trabalho fixo. Mas também segurei a onda para guardar uma graninha e sobreviver esse período. E venho vendendo fotos. Aqui em Belém, para você ser artista, tem que ter outra profissão. Sobreviver dessa fotografia, que é independente, é quase impossível. Porque o Estado não valoriza os artistas. Tenho feito uma curadoria para o Mídia Ninja sobre mulheres que estão documentando na região Norte e sinto muita dificuldade para encontrá-las.

O que você foi buscar no Arte na Fotografia? Que efeito teve na sua fotografia? 

Fui incentivada por uma amiga, a fotógrafa ativista Isa Medeiros. Ela me disse: “se inscreve nesse negócio, porque tu é toda blogueira. Se não ganhares a câmera, porque o prêmio é uma câmera, e a minha está defasada, tu pelo menos vais falar sobre Belém, sobre as coisas que tu enxergas”. Aí eu pensei, OK. Fui para ganhar uma câmera e ponto. Para além disso, sabia que era muito importante falar sobre Belém e as nossas lutas. Uma das coisas que falei no programa foi sobre o Sebastião Salgado na entrevista com o Pedro Bial. Se  vejo o Sebastião Salgado, grande referência na fotografia, falando que fotografia de celular não é foto, eu vou me frustrar. E não quero isso. Porque é óbvio que você vai ter uma limitação técnica. Mas enquanto não consegue ter acesso a uma câmera, tenta documentar de uma outra maneira, mas não para. Hoje, faço parte do coletivo Mamana, que tem outras fotógrafas, de outras regiões. A gente precisa criar um diálogo, criar uma rede, incentivar através da representatividade que as pessoas se sintam confiantes continuar o que estão fazendo. Falei com muitas mulheres do movimento negro, com muitas mulheres, de modo geral, para saber o que precisava fazer com que as pessoas escutassem, já que estava tendo o privilégio de falar em rede nacional. Porque, enfim, não sou dona da verdade, mas percebo que tem coisas em comum entre as mulheres daqui e do resto do Brasil.

Que equipamentos você usa? E por quê?

Uso uma Canon 7D, com uma cinquentinha. Mas já quase nem uso ela tanto, porque está triste. Tenho há oito anos. Uso também meu iPhone, e vou me virando nos trinta.

Como tem passado o período de pandemia?

Na minha cabeça, sempre foi muito nítido que o isolamento social é a coisa mais eficiente que a gente pode fazer se quer sair desse momento. Por mais que eu quisesse muito estar na rua documentando. Até que chegou um momento, em que eu já estava surtando, e veio uma indicação de um trabalho para a Getty Images. Um trabalho de documentação do que estava acontecendo aqui em Belém, sem sensacionalismo, com EPIs, tudo certinho. Fiquei muito feliz, porque o meu trabalho é diferente do trabalho fotojornalístico. Se você pegar as minhas fotos e as fotos que estão rolando da pandemia, é um pouco diferente. A cor, a proximidade, tudo muda. Mas eu ficava pensando de que maneira poderia documentar a pandemia sem os hospitais, as covas, essa parte triste. Lembro de uma oficina com o João Ripper. Ele falava muito sobre as grandes agências gringas que enviam fotógrafos para documentar a parte épica da guerra. Mas enquanto rola a guerra, outras coisas acontecem. Então, para além disso, o que que a gente pode documentar? Fui documentar as coisas que me atravessavam e que eu acreditava que atravessavam as pessoas aqui em Belém. Fui no Ver-o-Peso tentar entender como estavam entendendo o lock down. E foi uma outra experiência voltar com tudo aquilo, com EPIs, reencontrar muita gente. Algumas pessoas não entendiam nem porque que as pessoas estavam usando máscara. Nesse momento, eu tinha que parar de fotografar para simplesmente orientar. Porque se não houver a troca, não está acontecendo o meu trabalho. E venho sobrevivendo assim, tentando fazer alguns projetos dentro do coletivo, com algumas amigas. Acredito que, passando esse sufoco, volto a me movimentar pelo mundo. Sinto que meu corpo está me puxando para fora de Belém.

Bangkok under a flashlight - interview with Tawanwad Wanavit

Tawanwad “Tang” Wanavit is a young Thai cinematographer, 29 years old, known on the internet also for his street photography. Born in Chiang Mai, a historic city in northern Thailand - the former administrative and religious center of the kingdom of Lanna, until 1558 -, he later moved to the capital, Bangkok, where he currently lives and where he finds, mainly in the suburbs, the characters and scenarios of his images.

Full of well-balanced elements, animals, flash lights and humor, Tang picture's, according to him, do not yield money. It's just a hobby. But in 2018, the pictures guaranteed him the award of APF street photography website, with over 140 million active followers, and the recognition of other important Thai street photographers, such as Tavepong Pratoomwong. "Tang’s photos are like watching blockbuster films. He uses a variety of techniques in a shot but that has never overlaid the focal point of the story he wants to tell with his lens. As a result, Tang’s photos are quite impactful and easily digestible for the viewers", said Tavepong in an interview about new promises from the Thai street photography scene, published on BK' website.

Member of the Full Frontal Flash collective, Tang says he's currently working on a project about his emotions. The idea is to transform a negative feeling into something positive, through photography, according to him. But he still doesn't know exactly how. 

In the following interview, the Thai street photographer, who recently had his Instagram account hacked and had to start it all over again, also talks about his photography career, creative routine and references in street photography.

When and how did your interest for photography started?

I have always been interested in images, but I took photography seriously when I was around 18-19 years old. It was my first Film Photography class. 

What attract you most in photography?

I’m attracted to the graininess, the harsh lights, and the spontaneousness in Photography. Everytime I see one of the elements, I can’t help but to approach it, maybe that’s one of the reasons why using Flashes attracts me, it always give me the harsh lights. 

How did you started taking pictures?

It started when I traveled to Japan with my mother. There were only two of us, I carried my camera with me everywhere, and because my mother loves Shopping so much I had to find some activity to do, so I started taking pictures of what was around me.

Where do you take pictures more frequently?

I take photographs mostly in places that’s not clean. I haven't found out the reason behind walking into these places yet, but I love dirty places that has local people living. 

How do you choose the themes and places you will photograph?

I don’t, I usually walk around and feel the place, I work instinctively most of the time. 

Could you please describe your routine when you are taking pictures?

I usually drive around to the other part of the town. Outside Bangkok there are usually open fields. I feel great when I’m around there, and when something strikes interest to me, I just park anywhere and walk down to shoot.

I like the way you build your pictures. Frequently something is misshapen in a funny way, that tricks who is looking at it, mixing the real and the unreal. Sometimes you put humans and animals in the same level. There are a lot of animals, water and flashlights. The composition is always very harmonic and balanced. What are you main influences, in photography and other fields that you think have influenced your way of seeing?

I work as a professional Cinematographer, and Photography is only a hobby (that I take very seriously) I usually compose the frame from my experience in filmmaking, and adapt to the situation, maybe that’s why the frames are always so balanced. I have a deep connection with animals, they’re super cute and I feel relaxed when I’m around them. So I like to take pictures of them. Every animal that I see usually takes me back to the experience I had with my dogs when I was young. 

What photographers do you most admire?  

I love Trent Parke. Everything I wanted to do, he’s already done it. In Thailand, we have a lot of great photographers that I admire too: Tavepong Pratoomwong, Akkara Naktamna, Noppadol Mitreejit. They’re great Street Photographers. 

You integrate a photography collective, o Full Frontal Flash. Why did you decide to join it? And how does it helps and influences your work?    

I joined Full Frontal Flash Collective last year. We’re a collective focused on using flash on the street. Barry Talis asked me one day if I wanted to join and I said yes straight away, because I love this collective so much. 

Are you working on any specific project right now? If yes, could you tell us about it?

I’m working on a project about my emotions. I often feel jealous of certain types of people, sometimes the feelings become strong and I think it has potential to become something nice. I just haven't figured it out yet. 

Do you make money with photography too? Or just as a cinematographer?

Just as a cinematographer. I work at Hyphen & Slash Creative Studio. It’s a production company that focuses on making commercials for television and internet. 

What equipment do you use to take your pictures?

I use Panasonic Lumix GX9 and 15mm Leica DG F1.7 Lenses.

Cores e caos - entrevista com Gustavo Minas

O fotógrafo e jornalista Gustavo Minas é um nome popular na fotografia de rua brasileira atual. Ao longo dos últimos doze anos, construiu uma obra que se destaca pelas cores e sombras fortes, pela temática urbana e por composições muitas vezes aparentemente caóticas. Com ela, atraiu mais de 13 mil seguidores no Flickr e quase 50 mil no Instagram.

Venceu também alguns concursos fotográficos que lhe deram projeção: o Life Framer: Street Life; o POY Latam 2017, na categoria O futuro das cidades; e o Prix Photo Web Aliança Francesa 2017, com o ensaio O parto. Foi finalista de outros, como o Conrado Wessel 2016 e o Prêmio Gávea de Fotografia 2016, e destacou-se no último Sony World Photography. Exposições, conta três individuais e uma dúzia de mostras coletivas, no Brasil e no exterior, algumas delas como membro de coletivos que integrou, como o Flanares e o SelvaSP.

Agora, está lançando o primeiro livro, direto lá fora, pela Edition Lammerhuber. Chamada Maximum Shadow Minimal Light (Máxima sombra mínima luz), a obra nasceu do contato com um editor austríaco que viu o ensaio vencedor do Pictures of the Year Latam, de Minas, em uma newsletter sobre fotografia. Em 2017, o brasileiro foi para a Áustria editar cerca de 800 fotos, feitas desde 2010, e colocar o livro de pé. A versão final, ficou com 95 imagens, é uma espécie de retrospectiva do trabalho de Minas.

O livro é um dos temas da entrevista a seguir. Nela, Minas fala ainda sobre seu início na fotografia, as principais influências, o papel do fotógrafo Carlos Moreira em sua formação, seu processo de trabalho e a relação com as pessoas retratadas na fotografia de rua.

Como e quando você começou a se interessar por fotografia? O que mais te atraia?

Sempre tive um certo interesse, desde criança. Meu pai tinha uma dessas coleções meio enciclopédicas da Abril chamada "Nações do Mundo", e eu gostava de folhear e ver as fotos. No colegial, comprei uma câmera compacta e fotografava os churrascos da turma. Daí fui fazer jornalismo e meu pai me deu uma Yashica FX-D com uma 28mm que ele tinha parada em casa. Então, eu acabava fotografando a maioria das pautas do jornal laboratório. Havia um interesse pela fotografia, mas não sabia o que queria fotografar. Em 2007, comecei a trabalhar no jornal Agora São Paulo, 12 horas por dia, finais de semana, e estava precisando fazer outra coisa da vida para desbaratinar. Resolvi fazer um curso de fotografia e descobri o Carlos Moreira. Me inscrevi, e aí as coisas começaram a mudar. No primeiro semestre ele mostrou os mestres em PB: Bresson, Kertész, Robert Frank, Lee Friedlander, etc. Quando começamos o segundo semestre, fui descobrindo os caras da cor. Principalmente Harry Gruyaert, Alex Webb, Gueorgui Pinkhassov, Saul Leiter, que me tocaram mais, pelo jeito que lidavam com a luz. No caso de boa parte do trabalho do Webb e Gruyaert, a luz era muito parecida com a nossa. A partir daí comecei a fotografar quase diariamente. Como trabalhava à tarde, a única hora possível para encontrar essa luz "boa" era no começo da manhã. Então, comecei a sair de casa com o sol nascendo e a percorrer São Paulo, que era uma cidade ainda desconhecida para mim. Tinha uma Nikon D80 na época, e usava uma 24mm (que se tornava 36mm). Mas o curso do Carlos foi muito além de noções de composição e linguagem. Me ensinou muito sobre postura em relação à fotografia, sobre a fotografia como forma de se relacionar com o mundo, e me ensinou a não esperar nada da fotografia além da satisfação pessoal.

Desde que comecei a acompanhar o teu trabalho, pelo Flickr, lembro de ter ficado impressionado com o volume de imagens que você publicava diariamente. Você fotografa todo dia? Se sim, quantas horas? Como é a sua rotina de produção?

Sim, idealmente. Se tem sol, saio de manhã, quando o sol nasce, e ando umas três horas pela cidade. À tarde, aproveito o intervalo no meu trabalho (como jornalista) e fotografo mais uma hora quando o sol está se pondo.

Muitas das tuas imagens tem cores fortes, saturadas, e contrastes marcados entre claro e escuro, com sombras duras. Outras, têm reflexos. Geralmente, a composição é complexa. Às vezes, me lembram Alex Webb, outras, Gueorgui Pinkhassov. Quem são as suas referências e inspirações hoje?

Webb e Gruyaert foram referências muito fortes no início. Com o tempo, acho que fui incorporando outras, como o Pinkhassov e o Ernst Haas também. Além de, claro, tudo que eu li, vi e ouvi na vida, de fotógrafos que conheci no Flickr e no Instagram. Esse processo nunca termina. Acho que na minha série de Cássia tem muita coisa do Win Wenders, por exemplo. Mês passado fui fazer um curso com a Rosely Nakagawa e mostrei este esboço de trabalho sobre Brasília: www.gustavominas.com/Brasilia. Foi muito engraçado, porque no final da leitura ela disse que as fotos a lembravam um escritor japonês, o Haruki Murakami, e por acaso é o cara que eu mais tenho lido nos últimos anos.

Você já foi parte de coletivos, como o Flanares e o SelvaSP. Que papel ele teve na tua formação?

A fotografia de rua é uma prática muito solitária, então é bom sentir que não estamos sozinhos nessa. Estar em contato bem próximo com outros fotógrafos, de outra geração (eu era uns dez anos mais velho que a média da galera), como rolou na época do SelvaSP, abriu minha cabeça demais e me expôs a mais jeitos de olhar a rua. Me fez me afastar um pouco do formalismo mais clássico das minhas influências. Acho que rejuvenesceu um pouco minha fotografia. E a minha vida, na época, também.

Está trabalhando atualmente em algum projeto específico e ainda inédito? Pode contar algo sobre ele?

Não exatamente. Sempre luto pra fugir da Rodoviária de Brasília, que já fotografei bastante, mas acabo voltando a ela porque o fluxo de pessoas e a luz de lá me atraem muito. Às vezes consigo escapar. Aos poucos vou colecionando umas imagens de Brasília, além da Rodoviária, e tentando montar uma série sobre a cidade, sempre buscando imagens que fujam de alguma forma da concretude da realidade, que tenham algum nível de ficção, apesar de serem acontecimentos "reais".

Você vive de fotografia? Se sim, de que tipo? De arte? Ou faz trabalhos para terceiros também?

Que nada. Trabalho como jornalista numa empresa pública de comunicação para pagar as contas. Mas faço frilas de vez em quando. Tenho dado oficinas de fotografia de rua, vendo umas fotos de vez quando. Por um lado, é ruim porque me deixa preso aos mesmos lugares, e Brasília é uma cidade bem limitante para fotografia de rua. Por outro, me deixa livre pra fotografar só pra mim 99,9% do tempo.

Como escolhe os temas ou lugares onde vai fotografar?

Não tem uma escolha deliberada. Os temas e lugares geralmente surgem a partir de caminhadas. A luz do lugar e o fluxo de pessoas geralmente me fazem querer fotografar mais algum lugar. A criação dos projetos também surge assim. Vou fotografando o mesmo lugar despretensiosamente, e depois de um tempo, às vezes rola olhar para trás e ver que tem uma sequência que faz sentido no conjunto.

Você edita suas fotos no calor do momento, logo depois de fotografar, ou as deixa descansar?

Geralmente eu as trato no mesmo dia, ou nos dias seguintes. Daí deixo elas esquecidas por cinco ou seis meses antes de publicar, para tentar ter um olhar mais desapegado. De vez em quando preciso voltar aos arquivos ainda não tratados e descubro que tinha coisa ali que eu não tinha visto antes.

Como é o teu processo de pós-produção?

Bem básico. Num primeiro momento, bato o olho rapidamente nas fotos e vou dando quatro estrelas pras que eu quero rever. Dou uma segunda olhada e escolho as que acho que vale a pena tratar. Começo com um preset e vou fazendo ajustes na exposição, recupero sombras e luzes altas, e também ajusto as cores individualmente, dependendo da luz e da temperatura de cor. E faço alguns ajustes pontuais de exposição com os pincéis também.

Você já disse em uma entrevista que uma das tuas grandes inspirações foi o Carlos Moreira. É uma escola para muita gente. O que você, em particular, aprendeu com ele? De que forma ele te ajudou a transformar a tua fotografia? Quando você fez o curso com ele?

Fiz em 2009. Como disse na primeira questão, o curso foi muito além de noções de composição, cor, luz, além da imersão na história da fotografia. Para mim, além da obra maravilhosa, o Carlos é muito inspirador pelo jeito que ele encara a fotografia: a despretensão, a consciência do nosso lugar minúsculo na história da fotografia, a ideia de que a prática deve estar muito mais ligada à satisfação pessoal, à descoberta do mundo e de si mesmo, e que os resultados fotográficos são apenas consequência do que a gente é, de como a gente vê. E uma coisa que ele sempre falava ficou marcada em mim: fotografia é ficção. Isso me deu a consciência de que eu não precisava depender de fatos interessantes para fazer fotos interessantes. Pelo contrário: o banal deveria ser a matéria-prima a ser trabalhada e transformada através do olhar, da luz, do enquadramento.

A fotografia passou por um processo de democratização, nos últimos anos. Hoje, muita gente tem acesso à boas câmaras. O número de fotos a que somos expostos diariamente é imenso e crescente. Todo mundo se acha um pouco fotógrafo. Li em uma entrevista sua uma comparação interessante. A de que muita gente sabe escrever, mas poucos são escritores. O que diferencia um fotógrafo das demais pessoas que fotografam?

Ouvi essa comparação pela primeira vez com a professora Simonetta Persichetti. Mas não acredito em dom, "olho bom" ou inspiração. No fundo, o que diferencia o fotógrafo de quem apenas fotografa é a vontade e a prática aliada ao estudo dessa linguagem. Não acho que fotógrafos tenham um dom especial, apenas são pessoas que se dedicam mais à fotografia, seja por prazer, dinheiro, vaidade, etc.

Em muitas das suas fotos, fica a impressão de que as pessoas fotografadas foram pegas de surpresa. Algumas, inclusive, parecem não gostar muito. Esse é um dos grandes receios de quem começa a fotografar na rua. Você já arrumou confusão por causa disso? Tem alguma estratégia para evitar problemas?

Algumas pequenas. Mas nunca apanhei. Então, acho que estou no lucro. A estratégia é tentar intuir e respeitar o limite dos outros, ter empatia. Mesmo que eu não converse com as pessoas antes de fotografá-las, quase sempre rola um pouco de comunicação não verbal, ainda que muito sutil. Muitas pessoas não se importam. Outras até gostam de ser notadas. Quando alguém reclama, tento explicar o que estou fazendo, digo que estou estudando fotografia e fotografando a cidade. Quando pedem, apago a foto. É importante ter a consciência de que não se está fazendo mal a ninguém, e passar essa tranquilidade às pessoas de alguma maneira, seja sorrindo ou demonstrando naturalidade no ato.

A fotografia, para você, deve ter papel político? Se sim, qual?

Não acho que ela deva ter, mas acho que ela pode ter. Mas entendo esse papel político além do simplesmente fotografar tragédias, protestos e questões sociais. Acho que há política na fotografia em um nível mais pessoal, em dedicar um tempo a observar as cidade, a vida dos outros, a tentar entender e fazer parte do seu entorno. E acho que há política em tentar extrair beleza do banal e do cotidiano, em passar isso adiante por meio de imagens. Fazer as pessoas verem, tirá-las dos seus mundos, também pode ser um ato político.

Que equipamentos você usa para fotografar? Por que os escolheu?

Desde 2014, tenho usado câmeras mirrorless. Comecei com Fuji, fui pra Sony e voltei pra Fuji. Elas são mais lentas, mas gosto das cores do sensor da Fuji e do fato de serem bem menores e mais leves pra andar na rua.

Qual o seu projeto preferido, e por quê?

Pô, não tem um preferido. Mas eu acho que o Rodoviária é o mais bem resolvido. Acho que o fato de eu fotografar o mesmo lugar quase todos os dias, por três, quatro anos, me fez desenvolver como fotógrafo. Comecei fazendo fotos bem frontais e descritivas, e com o passar dos meses fui "forçado" a buscar novos ângulos, os reflexos, novos cantos, para tentar não ficar estagnado e preso naquele espaço físico demarcado.

Você está lançando agora o seu primeiro livro. Como surgiu o projeto?

Surgiu justamente com o Rodoviária. O ensaio foi vencedor na categoria "O Futuro das Cidades" no concurso Pictures of the Year Latam, em 2017, e circulou um uma newsletter sobre fotografia. Essa newsletter chegou a um editor austríaco que gostou do trabalho, foi atrás de outras coisas minhas e entrou em contato propondo um livro. Em 2017, fui para a Áustria e trabalhamos na edição a partir de umas 800 fotos que tinha feito desde 2010. Fizemos algumas poucas mudanças desde então. A versão final tem 95 fotos.

Qual o foco do projeto? Sobre o que trata?

Desde o início, a ideia era fazer uma "retrospectiva", um apanhado geral do que eu tinha produzido até então. Não tem uma linha narrativa, nem é organizado por lugares ou ensaios. É um livro de fotos soltas.

Quem está bancando?

A editora, 100%.

Qual a sua expectativa com ele?

Os livros sempre foram meu jeito preferido de ver fotos, então só o fato de ele existir pra mim já é uma realização em si. Mas, claro, também estou muito satisfeito de estar na prateleira de outras pessoas, de conseguir me comunicar desta forma.